oriana dierinck & douglas park

oriana dierinck will perform improvisations on classical flute on a ground of pre-recorded piano improvisations whilst (hair)dressed as an octopus. hair and technical wires are symbolizing tentacles which touch reality. as contrapunctus  –  which in music is melodic material added 
above or below an existing melody, applied to art in a more freeform by using a contrasting but parallel element and/or item – douglas park will read his ‘ESP-ionage’ , misagreement’, and ‘24 hrs’. this will be done in separate spaces, connected by sound systems, thus creating a third acoustic environment.
sunday september 4th  2016 |  5 PM  
saturday september 24th 2016  |  11.30 AM

galerie jan dhaese . ajuinlei 15 . 9000 gent   
free entrance

Scenic Tongical

Aug. 2016

WHO’S WHO_서울-타이베이 스크리닝 프로젝트

2016. 8.20(토)-8.28(일)
Wang Pei-Hsuan(王佩瑄)
Kuo Yu-Ping(郭俞平)
Ting Chaong-Wen(丁昶文)
Lin Yu-Hsuan(林裕軒)
Cheng Li-Ming(鄭立明)
Huang Sun-Quan(黃孫權)/Kan Chih-Yu(甘志雨)/Tseng Chieh(曾傑) 
주최 시청각, Waley Art, Osmosis Festival/A.S.C
기획 시청각(안인용, 현시원), Waley Art(양야샹)
«Who’s Who»는 한국 서울 시청각과 대만 타이베이의 Waley Art가 공동 기획하는 스크리닝 전시 프로젝트다. 8월 말에 서울(8.20-8.28)과 타이베이(8.20-9.4)에서 동시에 진행되며, 타이베이에서는 Osmosis Audiovisual Media Festival(8.18-9.18, 타이베이-카오슝)의 일환으로 열린다. 인명록을 뜻하는 ‘Who’s Who’는 전시를 관통하는 주제이자 키워드다. 전시는 ‘Who’s Who’라는 공통의 키워드 아래 서울과 타이베이 큐레이터가 각각 기획하고 해석한 이야기로 채워진다. 전시에는 한국 작가 6명과 대만 작가 6명/팀이 참여한다.

아티스트 토크
2016. 8월 23일(화) 오후 5시: 구민자, 권경환, 금혜원, 김영수 작가와 대만 작가 Wang Pei-Hsuan(王佩瑄), Kuo Yu-Ping(郭俞平), 대만 Waley Art의 디렉터와 큐레이터가 참여


이 전시는 서울과 타이베이에서 동시에 진행된다. 
타이베이에서는 8월 20일(토)부터 9월 4일(일)까지, 오후 12시-7시 30분
Haley Art
WHO’S WHO_Celebrities with no face

Douglasism Book @ WIELS ART BOOK FAIR 2016


WIELS organizes, from 9 until 11 September, a fair in which artists, publishers and collectors offer art books, artists’ books, photo books, catalogues, periodicals and other printed matter on display and sale to the public. 
WIELS organise du 9 jusqu’au 11 septembre 2016 une foire réunissant artistes, éditeurs et collectionneurs qui veulent mettre à disposition du public des ouvrages d'art, livres de photos, éditions d'artistes, catalogues, périodiques et autres publications artistiques.
Opening: Friday 09.09.2016, 18:00 – 21:00
Open: Saturday 10.09 & Sunday 11.09.2016, 11:00 – 18:00

【在地聊計畫】系列,第十九場,藝術家:Minja Gu

在地實驗計劃論壇 Etat Forum

Minja Gu 畢業於韓國弘益大學美術系與延世大學哲學系,韓國國立大學美術系碩。她曾在不同的地方進行駐村計畫,包含韓國Ssamzie Space、西班牙巴塞隆納的機庫工作室、紐約ISCP國際藝術工作室。

她首次個展”Identical Times”在2009年Space croft舉辦。重要聯展包含了台北雙年展(台北市立美術館,2008),”Now What”(Space Hamilton, 首爾, 2009), 安陽公共藝術計畫 (韓國, 2010), “VIDEO: VIDEO” (雅高藝術中心, 首爾, 2010), “未來事件交易所” (台北當代藝術中心(TCAC), 2012), “A Cabinet in the Wash-ing Machine” (西大門中心, 首爾, 2012) and “The Part In The Story Where A Part Becomes A Part Of Something Else” (荷蘭鹿特丹維特德維茨當代藝術中心, 2014).曾入選為「新聲音˙新世界」的年輕藝術家之一(韓國國立現代美術館,2013),2015-16她參與比利時HISK高等美術學院的研究生課程。


Continuing Studies by Kim Beom

School of Invasion, 2009, Bleu print

Continuing Studies by Kim Beom 

April 22, 2016 June 19, 2016
Curated by Jenifer Papararo 

Plug In Institute of Contemporary Art
Winnipeg, Manitoba, Canada

“…Let’s put some anguished screaming into it. A long scream that sounds like when you’re hurt, as if someone yanked your arm behind you or pulled you by the hair.” 
These directives are from Kim Beom’s video Yellow Scream(2012). The work’s comic effect, which spoofs how-to videos, is sustained through language, repetition, a flip in logic, and the absurd. Along with information on mixing paint with linseed oil to acquire varied textures, and to strategize composition, the instructor inserts long and short affected screams as he moves his brush across the canvas. Most instructional art videos teach verisimilitude and technique over concept and meaning. Kim slips into the abstract, overlaying an ambiguity. He dually implies the formulaic qualities of creating abstract paintings and alleges the overall implausibility of teaching art-making, which itself is an intangible practice that averts direct meaning.
Artists often have to justify the ambiguities of their own making: What does it mean to make art? What is art’s purpose? And how is an audience meant to interpret their work? Continuing Studies is a collection of drawing, video, sculpture, installation and painting by Kim, spanning twenty years, that rests these questions within a larger framework of education and learning. How does one teach someone to understand, and inversely, how does someone come to understand the teachings of another? The works in this exhibition take their structure from conventional strategies of learning (lectures, books, how-to videos), but lead away from expectations as a rock is taught the entire oeuvre of the Modernist Korean poet Jung Jiyong or a model ship learns it will never touch the sea. 
Pedagogical inference is made explicit in these two works, but the professor who specializes in the work of Jung Jiyong or the scientist who methodically informs the ship, will never know the success of their teaching. How can they test their students? How can these objects convey their understanding? What are the markers of knowledge? Props #3 and #5 are small intimate watercolours that resemble graduation diplomas. The definition of language and accreditation are left to lines and shapes. Proof of one’s knowledge blurs into graphic compositions of standardized order, as in Kim’s drawing, A Draft of a School of Inversion (2009) which depicts a generic institutional building perfect for learning the tools of one’s trade, but which is inverted like a photographic negative.  
Kim’s humour is immediate, but also drifts into a slow questioning of perception that resides in the self. Two simple drawings Self-injury Handbook (1994) and Self Accusation Glossary (1994) are direct plays on self-help books, but with a dark self-effacing, self-inflicting edge that seems to close in on common anxieties. The drive to learn, to educate oneself, to be better are deeply sown social mores that transpire numerous cultures and are made manifest in the ways we are taught. This exhibition’s title, Continuing Studies, follows a line through Kim’s works that is directed inward and out onto the educational structures that come to define and give credit to what we know. But also, it is self-referential of the institution that presents this exhibition, which is situated on the University of Winnipeg campus in a building that houses part of the continuing education department where learning is marked and graded. The exhibition of this select work by Kim is not a direct critique of the institutions it inhabits, but is a push at the rigidity of what these structures take for granted. Even this text stands rigid in interpreting work that pokes the fabric of how meaning is conveyed and read. What information it offers should unfurl in place of the artist and work it references.
Kim Beom is a South Korean artist whose singular practice defies simple categorization. Working with drawing, painting, video, sculpture, and performance, Kim poetically uncovers and dismantles conventions surrounding pedagogy and education. Further working to question and invert preconceived notions of perspective, Kim often employs animism within his works, collapsing the boundaries of living beings and inanimate objects. Kim’s investigations of socio-political structures are characterized by his idiosyncratic sense of humour and a penchant for the absurd.  The artist obtained a BFA and an MFA from Seoul National University, and a second MFA from the School of Visual Arts, New York. His work has been extensively featured in solo exhibitions including The School of Inversion,Hayward Gallery’s Project Space, London; Animalia,REDCAT Gallery, Los Angeles; Objects Being Taught They are Nothing but Tools, The Cleveland Museum of Art, and most recently the survey exhibition Kim Beom at the Contemporary Art Gallery, Vancouver. In addition, his work has been included in notable international exhibitions including the Istanbul Biennial, the Venice Biennale, and Media City Seoul. 


Some fucker standing by his window so the shades make stripes across him like in 80s movies with high light contrast where there’s usually someone hot standing there and its reminding him of 80s haircuts that women that did aerobics usually had and tight exercise clothes getting him excited half hour before a Tinder date he doesn’t want but didn’t cancel cause his personality prefers misdirection through promptless demonstration rather than dictating or committing which might be better than the other way around in some contexts but not in this one unless the date has an aggressive personality or something though this one doesn’t happen to so he’s worried that getting revved up will turn simple passive into a complex state that he won’t be able to dissect cause his rationality skills are total shit even though he’s generically not dumb like he can fix things with tools and do the long tax form himself and he know it so even before his assessment’s done breaking all the way down he’s decided to go eat duck for over $70 at some restaurant near his place he’d been eyeing a long time and then get drunk and not answer his texts when she’s at his door asking why he doesn’t answer and before he even steps away from the window he’s already imagining how after he’s done eating and started drinking he’ll wonder why he didn’t think of that in the first place

원로-신진, '폭력' 타이틀 매치展…주재환 vs 김동규

주재환, 야전병원■ 북서울미술관 대표 기획전…올해 3회째
원로작가-청년작가 세대간 상생·소통의 장
【서울=뉴시스】박현주 기자 

서울시립미술관 북서울미술관에서 주재환(75)과 김동규(38)의 '타이틀 매치'전이 열리고 있다. 

북서울미술관을 대표하는 연례전으로 올해 3회째를 맞이한 이 전시는 한국미술계의 대표 원로작가와 21세기 차세대 작가를 초대하여 세대 간의 상생적 소통을 모색하는 전시다. 
이번에 원로 대표 작가로 나선 주재환은 전방위적으로 다양한 매체와 장르를 넘나들며 특유의 유머와 해학으로 현실에 대해 발언하는 작업을 한다.
젊은 작가 대표로 나온 김동규는 빠르게 소비되고 폐기되는 현대사회의 시각물들에 집중하여 이를 날카롭게 통찰하는 작업을 펼친다.
'빛나는 폭력, 눈감는 별빛'이라는 부제로 이번 전시에서 두 작가는 우리 사회에 만연한 ‘폭력’을 주제로 연령과 시대를 넘어선 예술적 대화를 도출한다. 

김동규, 각개전투, 혼합재료, 10분에 한 번, 30초씩 기립, 2016세대를 관통하는 키워드가 두 작가에게 이해되고 해석되는 방식을 통해 서로 다름 속에서 세대 간의 연대와 화합의 가능성을 살펴볼수 있다.
‘폭력’이라는 공통의 주제 하에 새롭게 제작된 신작 중심으로 구성된 이번 전시는 두 작가의 세대 간 간극만큼 서로 다른 시각과 태도를 반영하는 작업들이 대조를 이루며 흥미롭게 펼쳐진다. 설치, 영상, 평면 등 총 32점이 전시되며, 이중 28점은 이번 전시를 위해 새롭게 제작한 신작이다. 미술평론가 이영욱은 "통상적인 미술관 전시들과 다른 느낌의 전시"라며 "훨씬 대중적이면서 또 계몽적인 전시는 마치 버라이어티 쇼처럼 다채로운 작업들로 가득 채워져 있다"고 소개했다.
원로작가 주재환은 역사가 기록되기 시작한 이래 쉼 없이 계속되고 있는 지구상의 전쟁, 테러, 분쟁과 같은 거시적 폭력에 집중하였다면, 차세대 작가 김동규는 일상의 풍경 곳곳에 부지불식간 배어있는 미시적 폭력에 주목한다. 

주재환, 지킬 vs. 하이드
주재환은 세계 각지에서 벌어지고 있는 무력 분쟁으로 인한 생명 경시와 살상, 죽음의 힘이 삶의 힘을 압도하는 현실을 드러낸다. 분쟁과 살상을 상징하는 오브제와 이미지, 군축평화 운동 단체들의 최근 수년간의 활동 자료와 팔레스타인 현역 만화가의 시사만평 등으로 구성된 이번 작업은 날로 강도를 더해가는 폭력에 무감각해진 현실에 대한 반성과 성찰을 이끌어낸다.  
김동규는 빠르게 효용가치를 다하고 버려지는 현대사회의 시각물들을 포착하여 그 안에 내재된 의미를 끈질기게 탐구하는 작업을 진행해왔다. 이번 전시에서는 온라인 매체, 거리의 애드벌룬 입간판, 학교 교실에 걸려있는 국기와 교훈, 반성문 등을 소재로 한 설치, 영상, 드로잉 작품들을 통해 이제는 우리사회의 환경으로 자리 잡아버려 미처 인지하지 못하게 된 일상 속의 폭력을 드러낸다. 
김동규가 주목하는 일상적인 폭력에서부터 주재환이 집중하는 전쟁이라는 거대한 폭력까지를 살필 수 있는 이번 전시는 우리 주변에 만연한 폭력을 드러내며 그것을 인식할 수 있게 하고 있다. 


Theatre of Putrefaction_ Institution of ROT

with Douglas Park
Spider & Mouse Gallery
London, 2002

As the Moon Waxes and Wanes 달은, 차고, 이지러진다

MMCA Gwacheon, 30 Years 1986-2016 <As the Moon Waxes and Wanes>
2016.07.15 - 2017.02.12

현재 국립현대미술관(MMCA)의 소장품은 총 7,840점('16. 6. 기준)으로, 과천으로 신축 이전한 이후 30년 간 수집한 소장품은 전체 소장품의 74%에 해당하는 5,834점이다. 올해는 국립현대미술관의 과천(MMCA Gwacheon) 이전 30년이 되는 해로 이를 기념하기 위해 그간의 주요 성과인 소장품을 중심으로 한 과천 30년 특별전 <달은, 차고, 이지러진다>(As the Moon waxes and wanes)전을 기획했다. 이 전시는 작품이 탄생하는 시대적 배경-제작-유통-소장-활용-보존-소멸-재탄생의 생명 주기와 작품의 운명에 대해 집중적으로 고찰한다. 특히 현대미술품이 제도 내(미술관)에 수용되는 과정에서 제기되는 여러 논의들을 전시에 포함한다. 

□ 전시 구성
Ⅰ. 해석(Interpret) 1부. 확장(Expansion)/2부. 관계(Relation)
 작품의 ‘해석-확장’에서는 다양한 분야의 작가 및 기획자, 연구자들에게 소장품을 기반으로 한 신작 제작을 의뢰하여 작품을 둘러싼 다층적인 소통 방식을 모색한다. 또한 '미술관', '메타조형(Meta structure)', '인류학', '수행성’, '현대사' 등 최근 현대미술의 주요 담론들을 소주제로 설정하여 작품 및 작가 상호 간의 새로운 관계 설정과 미술 해석의 확장을 시도한다. 한편 미술관의 대표적인 소장품으로 구성되는 '해석-관계'는 16쌍의 작품들을 일대일로 대조·비교하는 과정에서 관객의 지적 참여를 유도하여 각 작품에 대한 보다 창조적인 감상 경험을 제공한다. 결과적으로 현실적인 시공간을 초월하는 작품, 작가, 관객의 관계에 대한 폭넓은 성찰의 기회가 된다.
Ⅱ. 순환(Circulate) 1부. 이면(The other side)/2부. 이후(Post-life)
작품의 '순환-이면'은 국립현대미술관 소장품 중 흥미로운 이면을 지닌 작품을 통해 작품의 뒷이야기를 들여다본다. 작품과 함께 관련 사실 및 자료를 전시하여 관람자들에게 작품의 의미와 가치를 새로이 재발견할 수 있는 기회를 제공한다. 한편 현대미술 작품들은 정지된 것이 아니라 끊임없이 변화하는 속성을 가지고 있다. 작품의 '순환-이후'는 예술 작품을 둘러싼 재현과 재제작, 주문생산, 변화와 재생, 전이와 재생산의 문제를 다루면서 현대미술의 변화하는 속성에 대해 고찰해 본다. 또한 장르의 성격, 내용적 특성, 작가의 개입 여부 등에 기반하여 작품을 보여주는 다양한 방법을 탐구하고자 한다.
Ⅲ. 발견(Re-light)
작품의 '발견'이라는 발상은 소장품의 데이터베이스를 탐색, 국립현대미술관에 소장된 후 오랜 시간 전시되지 못했던 작품들로부터 시작되었다. 본 전시는 소장품 체계의 상당 부분을 구성하지만 수장고에 오랜 시간 머물러 있었던 작품들 중 전시작을 선정, 작가의 현재적 맥락과 접속시키고자 한다. 또한 소장품 분류 시스템 기호라는 코드에 주목함으로써 작가에게서 미술관의 소장품 체계로 진입해 새로이 분류되고, 편입되는 작품의 이동 과정을 현시한다. 한편 과천의 초기인 1986년~1990년대의 소장품들은 미술의 매체가 다양해지고 현대성에 대한 논의가 다양화되던 시기의 양상들을 보여준다.

□ 개별 프로젝트
Ⅰ. 아카이브 프로젝트-기억의 공존(Coexistence of Memory)
아카이브 프로젝트는 1969년에 개관한 국립현대미술관이 처음으로 건물을 신축한 사회・문화적 배경과 의미를 살펴본다. 미술관의 개관과 수반되었던 개관특별전, 조각공원의 조성, 다다익선 설치 등의 주요 사건에 대한 아카이브적 탐구가 전시의 내용을 이룬다. 이를 통해 현대작가들의 작품과 소장품 아카이브를 통해 30년의 과천관의 활동을 시각적으로 조명해 보고, 관람자들에게 미술관 출판물 및 아카이브 열람 공간을 제공해 보다 심층적인 정보를 제공하고자 한다.
Ⅱ. 공간 변형 프로젝트-상상의 항해(Voyage of Imagination)
공간 변형 프로젝트는 과천관 내·외부 공간을 무대로 장소의 의미를 상상하는 건축 프로젝트이다. 국내외 건축가 30팀이 상상한 미술관의 새로운 이미지를 통해 과천관의 현대적 가치를 재발견하고, 건축의 지속 가능성에 대한 의미를 제고하고자 한다. 또한 온라인 전시 플랫폼을 제공해 오프라인 전시장과 온라인 전시장을 매개하는 콘텐츠 아카이빙을 선보인다. 본 프로젝트와 연계하여 작가와의 인터뷰, 현장 답사, 라운드 테이블, 시민 공모 프로그램 등의 건축과 미술의 관계를 재해석하는 풍부한 담론 생성 프로그램이 진행될 예정이다.
Ⅲ. 퍼포먼스 프로젝트(Performance Project)
개막 퍼포먼스로 김남수가 기획한 '태평양 극장'은 백남준의 '다다익선'에서 출발하여 시·공간의 공명을 표상한 무용·음악 공연·재연 퍼포먼스 등으로 구성한다. 이 외에도 과천관 공간을 하나의 시노그래피로 간주하고 이를 인간의 목소리로 재구성한 김아영의 보이스 퍼포먼스 '사기 구조학', 국립현대미술관 소장품을 중심으로 다양한 담론을 펼치는 이영준 기획의 '24시간 렉쳐 퍼포먼스-국립현대미술관 소장품과 산업의 역사', 샤먼(무당)이 비언어적 방식으로 전시 작품을 설명하는 홍성민 기획의 '도슨톨로지', 임근준 AKA 이정우 기획의 '어둠 속에서 이야기하는 전후 한국/현대/미술: 모던한 것, 리얼한 것, 동시대적인 것에 관해‘ 등 소장품에 대한 인식과 해석을 확장하는 다양한 퍼포먼스들을 전시 기간 동안 지속적으로 진행한다.

Currently the total number of works in MMCA's collection amounts to 7,840 (as of June 2016). 
For the past three decades since its relocation to a new building in Gwacheon, MMCA has acquired 5,834 works of art, which comprise 74% of its entire collection. This year marks the 30th anniversary of MMCA Gwacheon, and thereby in its celebration MMCA presents a momentous exhibition entitled “As the Moon Waxes and Wanes” whose focal point lies in its collection of artworks, which is the proud output of its history. This exhibition sheds light on the life cycle and destiny of a work of art that proceed by the dialectical course from the conditions that prompt the creation of an artwork to the production, circulation, acquisition, utilization, preservation, death, and rebirth of it. 
The exhibition also conducts in-depth inquiries into various issues with respect to the way that present-day artworks are being accommodated within the institution of art.

Main Exhibition
I. Interpret (Part 1: Expansion / Part 2: Relation)
"Interpret - Expansion" explores multilayered ways of communication through works of art by commissioning artists, curators, and researchers from diverse fields to create new works on the basis of the Museum's collection. Also, with the subthemes such as "museum," "meta-structure," "anthropology," "performativity," and "modern history," it attempts to define the interactive relationship between the artist and his or her work and to extend the interpretative practice of present-day artworks. In "Interpret - Relation," consisting of highlights of the Collection, the one-on-one comparisons between 16 sets of works encourage viewers' intellectual participation, which enables them to have a more creative appreciation of each work. As a result, they are given an opportunity to ponder upon the time/space-transcending relations among the work of art, the artist, and the viewer.
II. Circulate (Part 1: The Other Side / Part 2: Post-life)
"Circulate: The Other Side" tells the behind stories of works of art focusing on some works selected from the Museum's collection. The related facts and additional materials accompanying the exhibits are to enable viewers to see the significances and values of the works from new perspectives. Contemporary works of art themselves are not fixed but are subject to constant development. "Circulate: Post-life" delves into the cardinal nature of contemporary art, namely, its openness to change by examining a variety of issues in relation to the work of art: representation, remaking, commission, transformation and restoration, and metabasis and reproduction. It also observes different ways of presenting a work of art by accessing the genre characteristics, the distinct characteristic with regard to content, and the intervention of the artist.
III. Re-light
The conception of "Re-light" was triggered by the existence of those works that have not been shown since their acquisitions according to the collection database. The exhibits have been selected from those works whose longevity in the storage is considerable without being shown despite the fact that they comprise the majority of the Collection, and here the selected works are reunited with the current contexts of their artists. While focusing on the classification codes of the Museum's collection, "Re-light" reenacts the process of a work of art's transition - its movement from the artist to a museum's collection system through which it is reclassified and registered. The works acquired during the early years of MMCA Gwacheon from 1986 to the 1990s bring to light the aspects of the period in the history of Korean art that witnessed the diversification of mediums and the active discussions on modernity.

Separate Projects
I. Archive Project: Coexistence of Memory
The Archive Project looks into the sociocultural backdrop and significance of the construction of MMCA Korea's own building after its establishment in 1969. It carries out an archival inquiry into the key events that accompanied the opening of MMCA Gwacheon including the inauguration exhibition, the construction of its Open-air Sculpture Park, and the installation of The More The Better. The three-decade endeavors of MMCA Gwacheon are visually presented through works by contemporary artists and the Collection Archive, and the viewers are provided with in-depth information while being given open access to the Museum's publications and the Archive.
II. Space Transformation Project: Voyage of Imagination
This is an architecture-oriented project whose object is both interior and exterior spaces of MMCA Gwacheon through which the significance of MMCA Gwacheon's locality is imagined and celebrated. By encouraging the participants to create visual images through which the present-day value of MMCA Gwacheon can be reappraised and newly appreciated, the project reexamines the sustainability of its archiecturality. As the project is also presented in the form of an online exhibition, viewers are introduced to the contents archiving that bridges them to the online exhibition platform. In addition, a range of related programs contribute to the formation of new discourses on the rapport between architecture and art: interviews with artists, field tours, roundtables, public programs, and so forth.
III. Performance Project
The opening performance entitled "The Pacific Theater" is organized by Kim Namsoo and consists of temporal-and-spatial resonance-oriented dance, music, and reenactment performances, which are conceived based on Nam June Paik's The More The Better. Among other performances to be presented throughout the exhibition period so as to expand the cognitive and interpretative horizons of MMCA's collection are Fraud Tectonics by Kim Ayoung where the space of MMCA Gwacheon is defined as a scenography, which is re-presented into human voice, 24hr Lecture Performance: MMCA's Collection and the Industrial History organized by Lee youngjoon where a variety of discourses are unfolded with regard to works in the MMCA's collection, Docentology by Hong sungmin in which shamans explain the exhibits in a non-linguistic way and Talks on Postwar Korean/Contemporary/Art in the dark by Lim Geunjun AKA Lee Chungwoo


《2016 타이틀매치》전, "빛나는 폭력, 눈감는 별빛"...연대와 화합의 가능성은?

주재환 작가가 바라본 거시적 폭력 vs 김동규 작가가 바라본 미시적 폭력
[정컬처=김하늘 기자]
우리 사회에 만연한 ‘폭력’을 주제로 연령과 시대를 넘어선 예술적 대화를 도출하는 전시가 북서울미술관에서 진행 중이다.
북서울미술관을 대표하는 연례전으로 올해 3회째를 맞이한 《2016 타이틀매치》전은, 전방위적으로 다양한 매체와 장르를 넘나들며 특유의 유머와 해학으로 현실에 대해 발언하는 작업을 해 온 주재환(1941~ )과 빠르게 소비되고 폐기되는 현대사회의 시각물들에 집중하여 이를 날카롭게 통찰하는 작업을 펼치는 김동규 (1978~ )를 참여작가로 초대하였다.
<빛나는 폭력, 눈감는 별빛>이라는 부제 하에 개최되는 전시다. 세대를 관통하는 키워드가 두 작가에게 이해되고 해석되는 방식을 통해 서로 다름 속에서 세대 간의 연대와 화합의 가능성을 살펴보고자 한다.
‘폭력’이라는 공통의 주제 하에 새롭게 제작된 신작 중심으로 구성된 이번 전시는 두 작가의 세대 간 간극만큼 서로 다른 시각과 태도를 반영하는 작업들이 대조를 이루며 흥미롭게 펼쳐진다. 원로작가 주재환은 역사가 기록되기 시작한 이래 쉼 없이 계속되고 있는 지구상의 전쟁, 테러, 분쟁과 같은 거시적 폭력에 집중하였다면, 차세대 작가 김동규는 일상의 풍경 곳곳에 부지불식간 배어있는 미시적 폭력에 주목한다.
우리 주변에 만연한 폭력을 인식할 수 있는 기회를 제공하는 전시이다. ‘폭력’을 주제로 총 32점이 전시되며, 이중 28점은 이번 전시를 위해 새롭게 제작한 신작으로  구성된다.
김동규가 주목하는 일상적인 폭력에서부터 주재환이 집중하는 전쟁이라는 거대한 폭력 까지를 살필 수 있다. 전시를 통해 주재환은 세계 각지에서 벌어지고 있는 무력 분쟁으로 인한 생명 경시와 살상, 죽음의 힘이 삶의 힘을 압도하는 현실을 드러낸다. 분쟁과 살상을 상징하는 오브제와 이미지, 군축평화 운동 단체들의 최근 수년간의 활동 자료와 팔레스타인 현역 만화가의 시사만평 등으로 구성된 이번 작업은 날로 강도를 더해가는 폭력에 무감각해진 현실에 대한 반성과 성찰을 이끌어낸다.
▲ 주재환 작가의 <폭력 가스통>, 불꽃, 꽃다발가변크기2016
희망이 아닌 절망에 투자하는 천문학적 돈뭉치를 불태워버리는 심리적 테러로서, 쌓아올린 박스 더미의 빈자리에 불꽃과 가스통을 설치하였다. 꽃다발은 이루어질리 없는 희망을 상징한다.
특히, 온갖 권모술수와 살상의 피바람이 부는 오늘날의 폭력상황을 빗댄 <삼국지 농담>이 눈에 띈다.  <삼국지 농담>은 조조, 유비, 장비, 여포 피규어와 관우 형상의 술병, 피규어 등을 통해 삼국지와 다름없는 오늘날의 폭력 상황을 패러디하였다.
삼국지는 한, 중, 일 3국의 천년 베스트셀러다. 서기 190년부터 280년까지 90년에 이르는 대륙의 혼란기에 등장한 수많은 영웅호걸들의 발자취를 소설로 꾸민 삼국지는 한국에서 400종이 넘는 판본이 발행되었다고 한다.
또한 영화,게임,만화, 삽화, 판화, 민화, 무신도, 판소리, 애니메이션, 피규어 등의 다양한 삼국지 관련 파생품들이 대중문화 속에 녹아 있다. 삼국지에는 사회정의 실현보다는 통치 권력을 잡기 위한 온갖 권모술수와살상의 피바람, 민생을 경시하는 당대의 시대 상황이 담겨있다.
김동규는 빠르게 효용가치를 다하고 버려지는 현대사회의 시각물들을 포착하여 그 안에 내재된 의미를 끈질기게 탐구하는 작업을 진행해왔다. 이번 전시에서는 온라인 매체, 거리의 애드벌룬 입간판, 학교 교실에 걸려있는 국기와 교훈, 반성문 등을 소재로 한 설치, 영상, 드로잉 작품들을 통해 이제는 우리사회의 환경으로 자리 잡아버려 미처 인지하지 못하게 된 일상 속의 폭력을 드러낸다.
▲ 김동규 작가의 <각개전투> 혼합재료, 지름 30cm 길이 400cm, 애드벌룬 7점, 10분에 한 번_30초씩 기립, 2016 한 때 유행했던, 가게들 앞의 춤추는 입간판을 변주한 작품이다. 평화, 행복, 희망 등의 아름다운 상호명을 한 다양한 가게들이 미사일 춤을 춘다.
세대가 확연히 다른 두 작가의 작업은 한 공간 안에서 대결하고 어우러지는 협업으로 완성된다. 폭력이라는 주제에 대하여 그것을 대하는 태도나 작업화해 내는 방식은 작가 개개인의 성향을 드러내는 것이자 이들 작가가 속한 세대의 특성을 반영하는 것이며, 더 나아가 이들이 대변하는 세대들이 함께 어우러져 살아가고 있는 우리 사회의 현 상태를 드러내는 것이라 할 수 있다. 우리가 살아가는 삶의 일부가 되어버려 이제는 그것을 폭력이라고 인식할 수조차 없게 되어버린 일상적인 폭력에서부터 전쟁이라는 거대한 폭력까지를 살필 수 있는 이번 전시를 통해 우리 주변에 만연한 폭력을 인식할 수 있는 각성의 첫걸음을 뗄 수 있기를 기대한다.
《2016 타이틀매치》전은 10월 16까지 노원구 중계동에 소재한 북서울미술관에서 무료로 만날 수 있다.
Aug. 2016 

Photos via https://www.facebook.com/

Looking for 'GU 丘' family

Looking for '丘' family who can take care of this dog in Taipei. 
Interestingly these two chinese character '狗(dog)' and '丘(hill)' are having the same pronunciation in Korean way, 'Gu'.
Let's meet! Call +886 (0)2 2301 1821

Aug. 2016

김세중 조각상 30년

정서영 <운동> 각목, 합판, 못 89×210×35cm 2013 
[아트인컬처 Art In Culture 2016년 7월호]


김세중 조각상이 출범 30년을 맞았다. 이 상은 한국 현대조각 제1세대 작가 김세중(1928~1986)의 업적을 기리기 위해 제정된 상. 김세중은 서울대 미대 1회 졸업생으로 서울대 교수, 국립현대미술관 관장을 역임했다. 김세중 기념기업회(이사장 김남조. 시인, 숙명여대 명예교수)는 지난 6월 24일 고인의 옛 자택에 신축한 복합문화공간 ‘예술의 기쁨’에서 제30회 수상식을 개최하고, 역대수상작가 기념전을 열고 있다. 김세중 조각상은 지난 30년 동안 본상 30명, 청년상 33명의 수상자를 배출했다. 수상자의 면면은 한국 현대조각의 얼굴과 겹쳐 있다. Art는 수상작가 63명의 작품을 화보로 꾸며 시대별 양식별 흐름을 조망한다. 더불어 김세중조각상의 의미와 한국 현대조각의 발자취를 되짚는다. 
        김세중조각상 30년
067    Pictorial
096    ❶ 한국 현대조각 다시 읽기 / 김복기
        ❷ 30년의 회고와 전망 / 오광수 최태만 최열

커넥트 1(Connect 1): 스틸 액츠(Still Acts) – 김소라, 이불, 정서영


아트선재센터는 2016년 8월 27일부터 11월 20일까지 «커넥트 1(Connect 1): 스틸 액츠(Still Acts)-김소라, 이불, 정서영»을 개최한다. 본 전시는 아트선재센터의 역사와 소장작품에 대한 연구인 ‘커넥트’ 시리즈의 첫 번째 전시로 김소라, 이불, 정서영 작가가 참여한다.
‘커넥트’ 는 1995년 아트선재센터 옛 터에서 열린 첫 전시 «싹»에서 출발하여 1998년 개관 이후 지금까지 달려온 아트선재센터의 20여 년 간의 여정을 현재화하려는 시도로 기획된 전시 시리즈이다. 아트선재센터는 개관 이래 미술관 시설 보수를 위해 두 차례 휴관하였는데, 첫 번째는 2005년 봄부터 2006년 가을까지이고, 두 번째는 2015년 겨울부터 2016년 여름까지이다. 그 첫 번째 ‘정지’ 이전의 시기를 다루고자 기획된«커넥트 1: 스틸 액츠»는 개인전을 중심으로 작업 커미션을 통해 작가들의 새로운 작업을 소개하고 소장하는 일을 진행해 온 아트선재센터의 활동을 돌아본다.

«커넥트 1: 스틸 액츠»에서는 김소라, 이불, 그리고 정서영, 세 작가의 전시가 아트선재센터 1층부터 3층까지 각층에서 열린다. 아트선재센터 1층에는 2004년 «안타르티카»에서 선보였던 김소라의 <라이브러리> 프로젝트(2004)가 새롭게 구현되며, 2층에는 2000년 정서영의 개인전 «전망대»에서 보여졌던 세 개의 작업, <전망대>(1999), <꽃>(1999), <수위실>(2000)이 그대로 놓이는 한편, 3층에는 1998년 아트선재센터의 첫 번째 개인전 «이불»에서 보여졌던 <사이보그> 시리즈(1998)와 90년대 이후 미술관에서 전시되기 어려웠던 <화엄>(1997)이 새로운 환경 속에서 설치된다. 이 세 명의 작가들은 각기 그 시대의 동시대성을 고민하고 저마다의 미학적 언어로 새로운 시각을 제시했던 작가들이다. 이들의 90년대 말부터 2000년 초반까지의 주요 작업들을 다시 살펴보는 본 전시는, 미술관의 소장품이 된 과거의 작업과 전시를 그대로 재현하고 화석화하기 보다는 새로운 읽기와 재맥락화로 현재화하고 또 다른 미래의 논의의 장을 열고자 한다.

Chung Seoyoung solo show : Lookout 

<전망대>(1999), <꽃>(1999)

Artsonje Center, Seoul

17.Mar.-14 May 2000


Aug. 2016

아트선재 예술 살롱

2016.08.03, 08.10, 08.17, 08.24, 08.31, 09.01

장소: 아트선재센터 B1 아트홀

  • 대상: 일반 45명
  • 접수: 아트선재센터 웹사이트에서 선착순 접수 (※ 마감: 7월 29일)
  • 참가비: 5만원
아트선재센터는 8월 27일부터 11월 20일까지 개최하는 《커넥트 1: 스틸 액츠-이불, 정서영, 김소라》의 예술 살롱 프로그램을 진행합니다. 네 번의 강의와 한 번의 워크숍으로 구성된 이 프로그램은 1998년부터 2004년 사이 아트선재센터에서 선보인 세 작가의 작품들이 현재 전시 상황에서 어떻게 당시와는 다른 의미와 맥락을 생산하는지 살펴보고자 합니다. 이를 위하여 각 작가들의 전체 작품 세계와 작업의 맥락을 과거와 현재의 시점에서 조망하면서 동시대 미술의 흐름 위에 다르게 그어지는 작품의 방향과 의미를 심도 있게 탐구합니다.
매회 강의에서는 작가와 작품 이해를 위하여 논의되어온 이론적인 배경과 개념적인 틀을 개괄할 뿐만 아니라 최근의 작업 방향과 그 맥락을 검토하면서 현재 시점에서 달라진 작품 해석의 변곡점을 찾아봅니다. 마지막 주의 워크숍은 소규모 그룹으로 진행하며 현재와 미래의 관점에서 전시를 이해하고자 합니다. 4주간 진행된 강의를 바탕으로 참가자들이 자신의 언어로 작가의 아이디어와 작품의 개념을 이야기하고, 현재 작업의 화두와 향후 방향에 대해 생각해보고 질문을 던져 봅니다.
아트선재 예술 살롱 프로그램은 참가자에게 작가와 작품에 대한 개괄적인 정보를 제공하는 것을 넘어서 보다 깊은 이해와 적극적인 해석으로 나아갈 수 있는 지적 참여와 소통의 장을 마련하기 위해 기획되었 습니다. 
1강. 8월 3일, 7-9pm / 1998 – 2004 한국 동시대 미술의 맥락
《커넥트 1: 스틸 액츠-이불, 정서영, 김소라》가 포괄하는 이 시기를 한국 동시대미술의 맥락에서 다층적으로 이해하기 위하여 한국의 사회, 문화, 정치, 경제적 상황과 세계적 상황, 국내외 현대미술의 지형 등을 개괄한다.
2강. 8월 10일, 7-9pm / 이불 – 괴물과 사이보그를/가 바라보는 곳
3강. 8월 17일, 7-9pm / 정서영 – 사물이 속한 영역
2000년 《정서영: 전망대》에서 선보인 작품들과 새롭게 덧붙여진 텍스트 작업을 사물과 언어, 장소와 시간이라는 개념을 통하여 살펴본다. 그리고 이후 퍼포먼스 작업과 연계하여 진행되는 작가의 작품을 통하여 작업의 방향이 어떻게 선회하고 있는지 생각해 본다.
4강. 8월 24일, 7-9pm / 김소라 – 다른 교환과 소통의 공동체
워크숍. 8월 31일 – 9월 1일
강연자 이임수, 한국예술종합학교 미술원 객원 교수로 재직 중이다. 플로리다대학교 미술사학과에서 1970년대 뉴욕의 대안공간과 미술의 확장이라는 주제로 철학박사학위를 받았다. “아나키텍처(Anarchitecture)·안티젠트리피케이션 (Antigentrification): 1970-80년대 뉴욕 다운 타운 도시빈민의 주거공간에 대한 미술의 대안적 모색”, “1970년대 미술의 확장과 대안공간: 112 그린 스트리트, 더 키친, 아티스트 스페이스를 중심으로”, “프랭크 질레트: 프로세스와 메타- 프로세스로서의 비디오” 등의 논문이 있다.

That’s right, but it’s not all. An Interview with Nayoungim+Gregory Maass 그렇지만 그렇지않은. 김나영+그레고리 마스 인터뷰

이글은 ‘국제적 움직임과 청년작가’라는 주제로 2012 5 23일과 6 20일 이틀에 걸쳐 이루어진 인터뷰를 정리한 것이다
김나영(이하 김)+그레고리 마스(이하 마스)의 인터뷰 진행자는 이영희(서양미술사 전공이하 이)이다.

서울(Seoul)과 하겐(Hagen)에서 파리(Paris)

김은 한국에서 대학을 마치고마스는 독일에서 고등학교를 졸업한 후 프랑스 파리로 갔다
특별한 이유가 있는가?
서울대학교 조소과(1984~1987)를 졸업한 후 1991년 파리에 놀러갔는데재밌어서 미술학교에 들어갔다. 1984년은 백남준의 ‘굿모닝 미스터 오웰’로 시작된 1984년에 서울대학에 입학했는데학교에서는 헨리 무어(Henry Moore)를 존경하고호암(삼성)미술관에서는 앙투안 브루델(Antoine Bourdelle) 조각전이 열리던 시절이다
대학에서 서양미술사는 2차 대전 직후까지 다뤘는데 그 후부터의 현대 미술이 궁금했다.

당시 한국 예술 분위기에서 개인적인 특성을 넓혀가기에는 한계가 있었기 때문에 파리로 간 것인가?
나는  특별히 원한다거나 생각이 없다당시 파리에서 만난 친구 얘기가 다른 한국인들은 유학을 오면서 생각을 가지고 오는데 나는 생각이 ‘비어있다’고 했다이런 성향은 현재도 진행 중인 듯하다.

생각이 ‘비어있다’는 것은 생각이 ‘없다’는 것과 다른 것 아닌가?
대학  “좋은 작품을 하려면 고민을 많이 하라.” 누구나 말했는데나는 그것이 이상했다
게다가 고민한다는 사람들의 작품에 개인성을 볼수 없었다.

마스고등학교 졸업 후파리로 가서 소르본대학에서 철학과 문학수업을 들었다. (1991~1992). 파리 국립미술학교도 다녔는데(1991~1995그곳에서 김과 만났다.

둘이 같이 작업한 것은 언제부터인가?
+마스공식적으로는 2004년부터다
하지만 학생 시절부터 이미 서로의 작업에 관여하고 있었다.

하와이에는 맥주가 없다(There is No Beer in Hawaii)  

: 2012 3월 서울아트클럽 1563에서 가진 개인전 ‘하와이에는 맥주가 없다’를 가지고 좀 더 구체적으로 이야기해보도록 하자제목은 어떻게 정했나?
+마스처음에는 제목을 ‘퍽토피아(Fucktopia)’하려고 했는데 큐레이터가 반대를 했다
추운 겨울에 전시 준비를 하니 안가본 하와이에 가고 싶었다
그래서 1967 나온 독일 대중가요 ‘하와이에는 맥주가 없다 했다
신혼여행지인 하와이에 맥주가 없으니 결혼을 못하겠다는 내용이다

그러면 작품내용과 제목은 서로 직접적인 관련이 없는가?
+마스아니다관련이 있다‘퍽토피아’가 ‘하와이에는 맥주가 없다’로 바뀌면서 새로운 작업의 축이 생겼다

: ‘하와이에는 맥주가 없다 설치된 작품들에 대해 말해줄  있는가
+마스큐레이터와 대화중에 영감을 받았다
큐레이터는 2007년에  우리가  작업 ‘미술의 역사 200만년’, 미술에서 본다는 문제와 유희에 대해 질문했는데그의 질문을 ‘빌렌도르프의 비너스’, ‘3D안경’, ‘골프 1 1 번역한 것이다
이렇게 등장한 3 외에 ‘Wave Paintings’ ‘Honk Painting’ 있다
 하와이 하면 연상되는 파도와 머리카락의 웨이브도 되는 ‘Wave Paintings 웨이브 페인팅 서구 여인의틀어올린 전형적인 금발머리 스타일을 하와이식으로 전환해서 갈색으로 그렸다우리는 장난치는것을 좋아하는데, ‘Honk Painting’ 20세기  감기약 광고에서 빌려왔다
신사가 손수건으로 (Honk) 코를 푸는데 손수건을 잡은 손이 3자의 손처럼 보이는 것이 흥미로왔다
이를테면 신사가 코푸는 와중에 바람을 일으켜서 하와이 앞바다의 파도가 일어난다는 전제를 축으로 하고나머지는  축으로 돌리면 되는 것이다.

작업에 조명()은 왜 들어갔나?
+마스하와이에는 맥주가 없다 설치할  전시장의 형광등 조명이 너무 강해  설치에 방해가 되었는데이것 때문에 설치 현장에서 형광등 폭포를 2 만들었다.

전시장소의 핸디캡을 적극 작품 안으로 끌어안은 것인가?
그렇다형광등 조명을 낮춘 것이 아니라 형광등 폭포를 더한 것이다

이야기는 작업에 어떤 비중을 차지하는가?
+마스이야기는 이야기이고 작업은 작업이다작가 주변의 이야기를 모르고 봐도 상관없지 않나작업은 여러 겹(layer)으로 이루어져 있고 이해 가능한 범위는 넓고 다양하다
어떻게 보는가가 문제지 못 보지는 않는다한국학생들을 만나보면 뭔가를 잘못 배웠는지자기가 보는 것을 믿지않는다미술은 해석과 이해의 대상이라는 강박관념이 있다.

대중적인 것과 예술적인 것이 작업에 많이 섞였다대중예술과 고급예술의 경계 허물기에 관해 관심이 있는가?
+마스우리는 자연스럽고 유기적으로 접근한다.

평소에 음악을 자주 듣는가?
+마스좋아하지만 바쁜 관계로 듣지 않는다자동차 안에서 구닥다리 카셑트 테입을 심심풀이로 듣는데 예를 들면 007 영화음악공상영화 전집  이런것들이다.

팝 요소는 어떻게 나오는가?
+마스젊은 시절 누구나처럼  문화를 즐겼다.

전시를 보러오는 사람들의 태도에 대해서는 어떻게 생각하나전시관람자들은
어떤 선입견도 없이 작품을 본다고 생각하나?
+마스각자 살아온 경험이 뭔지 문화적 배경이 뭔지는 중요하다선입견이 따라 오겠으나 구식으로 미술을 읽으려고 하는 것은 피하고 싶다빨간색은 정열노란색은 희망으로 미술을 읽으려고 하는 것은 구식이다.

‘하와이에는 맥주가 없다’에 나오는 갈색이 상징하는 것이 있는냐고 물을 때 이 질문은 구식인가
+마스갈색이 무엇을 의미하는지 묻는다면 “하와이에는 맥주가 없으니 대신 커피”라고 대답하겠다정답이라서 그런 것이 아니라 주고받을 필요가 없는 말을 이 정도로 끊기 위해서다
뻔한 이야기를 하다보면 재미있는 이야기가 나올 기회가 줄기 때문이다.

작업에 관한 기본적인 생각들

한국과 유럽에서 전시를 활발히 하고 있다
다양한 문화적 경험을 많이 했을 것 같은데 문화적 이질감에서 오는 문제는 없나?
김+마스우리는 스스로 지구라는 행성의 거주자라고 생각한다
문화적 차이는 작품을 하는데 영감을 주는 것으로 별로 문제 될 것은 없다물론 지역에 따라 사람들의 성향이나 기질이 다를 수 있지만사람은 원래 다 제각각이지 않는가다르지만 동시에 공통점을 가지고 있는 존재다여러 이질적인 문화적 요소를 작품에 적용하는 우리의 작업방식은 개척자적인 일이라고 생각한다

작품을 보러오는 관객들은 어떠한가
그들도 아무 문제 없이 작품을 수용하고 이해하는가?
김+마스작가는 관객들을 직접적으로 알지 못한다  수도 없다
그리고 예술은 이해하기 위한 것이 아니라 어떤 현상이나 사물에 대한 느낌이나 생각을 형태로 표현하고 보존하는 것이다많은 사람들이 느낌이나 생각을 담은 작품을 이해하려고만 하는데 그것은 잘못된 것이다리하르트 바그너(Richard Wagner)  케이지(John Cage) 음악은 주의 깊게 듣거나 보는 것을 통해 감성적으로 받아들이는 것이지 머리로 이해할  있는 것이 아니다의도적으로 전달하고자 하는 바가 없기때문이다의미는 군대나 정치그리고 어쩌면 문학에서 찾을  있을지 모르지만 음악이나 조형예술에서는흔히 존재하지 않는다레오나르도  빈치(Leonardo da Vinci) ‘모나리자’  전문가들은 역사적 지식으로 이해할  있지만 그림에 나타난 아름다운 것에 대한 느낌이나 웃는  같으면서도 웃지 않는, ‘보이지않는 웃음 관한 생각은 지식으로   있는 것이 아니다비가시적 웃음은 윗입술과 아랫입술의 미묘한각도와 전체적인 비율을 통한 표현방식에서 느낄  있는 것이지 이성적으로 분석해서 이해되는 것이 아니다.

그러면 작품을 통한 언어적 소통은 어떻게 가능한가?
김+마스작품을 가지고 소통한다는 생각은 맞지 않다
사실 작가나 관객은 그런 소통에 관해 관심을 가지고 있지 않다그것은 생각의 오류일 뿐이다.

조형예술은 언어에 속하지 않는가?
김+마스미술작품을 만드는데 언어를 사용할 수는 있다
하지만 그렇다고 조형예술이 언어의 한 분야인 것은 아니다작가가 자신의 작품 의도에 관해 말을 해야 한다면 그것은 일종의 정치적 입장의 표명일 뿐이다.

서술적 미술에 대해서 어떻게 생각하나
그림을 보고 읽고 이해하는 것은 오랫동안 인류가 그림을 이해해온 방식이다.
김+마스어떤 의도를 조형적 작품으로 번역하는 것은 선동주의로 나쁜 예술의 본보기다
우리는 그런 미술에 대해 알고 있지만 관심은 없다사람들은 미술을 말로 설명하기 바라지만그것은 말로 설명할 수 있는 것이 아니다
작가는 자기가 무엇을 하는지 알고 거기에 맞는 방법을 발전시킨다
어떻게 사물에 대한 자신의 느낌이나 새로운 생각을 보존할 것인지 또 어떻게 관람자가 작가가 느끼는 것을 그대로 느낄 수 있는지에 대해 연구할 뿐이다
예를 들면 우리는 사랑을 직접 표현할 수는 없다또 사랑이라는 단어를 쓴다고 해서 그것이 사랑을 나타내는 것도 아니다단지 사랑이라는 느낌을 표현하는 것이다.

사랑이라는 단어에는 우리가 관습적으로 이해하고 있는 것을 포함하고 있지 않은가
김+마스그렇다한두 개의 관습적 이해가 새로운 표현적 시도에 접목되는 것은 당연하다
리처드 세라(Richard Serra)는 젊어서 제철공장에서 일한 경험은 이후 세라의 철 조형작업에 큰 영향을 끼쳤다지만우리는 이러한 조형방법보다는 놀라운 창의력으로 새로운 방법을 발전시킨 로베르 피유(Robert Filliou), 백남준 그리고 컴퓨터를 발명한 콘라드 주제(Konrad Zuse)에 더 관심이 많다
로베르 피유는 예술에 대해 매우 극단적인 견해를 가지고 있으면서도 유머가 풍부한 작가다작가의 ‘등가원리(Principe dÉquivalence)’는 ‘잘 만듦못 만듦만들지 않읆(Bien fait, Mal fait, Pas fait)’가 동일한 가치를 가진다는 것을 표현한 재미있는 작품이다
백남준이 만든 ‘비디오 신시사이저(Video Synthesizer)’나 콘라드 주제의 컴퓨터는 인류의 역사를 바꾼 창의성의 결과물이다.

요셉 보이스(Joseph Beuys)는 어떤가?
김+마스보이스는 카리스마가 강한 매우 창의적인 작가다.

보이스는 자신이 생각하는 예술이 어떤 의미가 있는지 끊임없이 설명하고 가르쳤다
어떻게 생각하나?
김+마스보이스에게는 작품을 설명하는 것 자체가 미술원리에 속한다
필요하다면 전문가로서 작품 설명을 할 수 있다하지만 우리 작품은 우리가 필요없을 정도로 독립적이다.

보이스는 지방펠트구리 등 물질 그대로 자신의 작업에 사용했다
지방 같은 경우 그것이 속한 환경 온도에 민감하게 반응하는 재료로 보이스는 갤러리의 벽이나 의자의 모서리에 마가린이나 버터를 두텁게 발랐다
사물이 가진 물성 그 자체를 보여주면서 동시에 변화하는 상태 자체가 작품의 한 부분이 되도록 했다조형예술에서 ‘사물 그 자체(Ding an sich)’를 표현할 수 있는 것인가?
김+마스아니다할 수 없다과거에도 미래에도 ‘사물 그 자체’를 알 수도 없고 표현할 수도 없다하지만 오늘날 인류는 과거보다 정보수집이 쉬우므로 사물의 유일한 진실에 더 가깝게 다가갈 수는 있을 것이다
사물의 중심을 단면으로 자른다 해도 사실 그 사물의 내면을 알 수는 없다
단지 표면만 볼 수 있을 뿐이다우리는 사물의 본질적인 것보다는 사물사물의 표면 그리고 여러 사물이 빚어내는 현상에 대해 관심이 많다우리에게 그러한 현상들 사이에서 풍자적이면서개성이 넘치고유일한 순간을 포착하는 것이 더 중요하다
미국작가 필립 K. (Philip K. Dick) 1968년에 쓴 공상과학소설 ‘안드로이드는 전기 양을 꿈꾸는가?(Do androids dream of electric sheep?)’ 와 같이 여러 현실이 다양한 차원과 만나 발생하는 현상에 흥미를 느낀다

사물이 가지고 있는 본질적인 의미와 상관없이 표면에만 관심을 둔다는 말인가?
김+마스사물보다 좀 더 구체적인 오브제라는 말로 설명하자면 우리는 생각할 수 있는 모든 상황에서 어떻게 오브제들을 새로운 개념으로 바꿀 수 있나 고민한다
그것들을 자르고 교차해 구성하고 접합하는 과정에서 오브제는 창의적인 표현이 가능하도록 하는 재료일 뿐이다여기서 재료가 가진 본래의 의미는 크게 상관이 없다.

킴킴 갤러리(Kim Kim Gallery)

‘킴킴 갤러리’는 개인전 제목이면서 갤러리 이름이다
어떻게 된 것인가?  
+마스: 2008 3월 스코틀랜드의 글래스고에 전시를 하러갔다
2차 대전 이후로  되는  없는 가난한 동네인데 대영제국 미술계에서 런던 다음으로 중요한 도시로꼽힌다니 재미있었다
당시 별볼일없는 작가생활 접고 ‘갤러리를 해볼까라는 지나가는 생각이 있었던 것이 생각나 ‘킴킴 갤러리’ 개관전으로 개인전을 기획했다

킴킴 갤러리는 일회적인 작품이 아니라 실제 갤러리로 운영하고 있다
작가로서 작품을 직접 사고파는 미술 시장에 들어가는 것에 부담은 없나?
+마스팔아야 한다는 부담감을 말하는가킴킴 갤러리의 목적은 상업활동에만 있지는 않다갤러리를 운영하는 것이 작업이므로 작가작품미술제도는 재료가 되고이 재료로 창의적인 활동을 하는 것에 목적을 둔다

킴킴 갤러리가 아트페어에도 참가하는 것으로 알고 있다
기본 유지비는 나와야 하지 않나?  
+마스킴킴 갤러리 전시는 경제적으로 플러스 마이너스 제로 정도는 된다
거기다 작가들이 킴킴과 일하면서 “나름 괜찮았는데재밌었는데” 한다면 괜찮은 것 아닌가

글래스고 개관 이후 킴킴 갤러리의 활동은 어떤가?
+마스그후 베를린대구에서 그룹 전시서울에서 정서영 개인전 ‘사과와 바나나’, 자매인 성낙영성낙희 2인전 ‘Stuffs!’ . 
9월 ‘아트:광주:12’에서 실재하는 작품이 없는 영국작가 더글러스 파크(Douglas Park)의 전시 ‘Douglasism’를 기획 중이다
이 작가에 관해 혹은 작가가 다른 작가들이 협업한 작품과 자료 등을 모은 것이다. 
10월에는 특정한 장소(site-specific)에 드로잉을 하는 미국작가 제프 가벨(Jeff Gabel)의 개인전을 ‘More of the best of Firmin Graf Salawàr dej Striës라는 제목으로 서울에서 한다.

Aug. 2012

[조형연구소] 비주얼 9호 교정시안

published by Korea National University of Arts
Sep. 2012